04/19

TAS 榜上的民歌 – Peter, Paul & Mary 第一篇

Peter, Paul & Mary 岀現在美國民歌全盛時期的六十年代。由 Peter Yarrow (男高音), Noel Paul Stookey (男中音) 及 Mary Travers (次高音) 三人組成的樂隊。演唱的作品除了 Peter Yarrow 及 Paul Stookey 自已的作品外,他們還選了包括 Bod Dylan, Woody Guthrie, Pete Seeger 及 The Weavers 等的歌曲。The Weavers 的 Pete Seegers 對他們的影嚮至深遠。當年 Pete Seeger 在民歌樂壇的中流砥柱,他所創作的樂曲亦廣受其他歌手歡迎。由他們在 1962年推岀第一張唱片 Peter, Paul & Mary 開始 The Absolute Sound 的 Harry Pearson 已對他們垂青,除此以外他們的 In Concert (Peter, Paul & Mary) 亦是 HP 的緻愛。近幾年的 TAS 更變本更厲,幾乎所有的 Peter, Paul & Mary 大碟都上榜。我們就由 In Concert (Peter, Paul & Mary) 開始吧。

In Concert 是在 1964年推岀的雙唱片,主要輯錄他們在加州及美國本地演唱會的現場錄音。Peter, Paul & Mary 一向都是以簡單,清純及健康的形象示人;由始至終都沒有改變。Peter and Paul 西裝領帶,Mary 清淡的長裙。演唱會並沒有豪華的佈景,亦沒有華麗的服飾;更沒有耀眼奪目的配答。這與近年的演唱會比較是兩個極端。究竟我們聽現場是聽音樂,看” 表演” ,睇偶象,或者是襯熱鬧?我只可說各式其式,各取所好吧!如果在現場聽人放的錄音帶的話,我倒不如在家中聽音嚮效果更佳。In Concert 除了三人的合唱外,配樂亦是簡單不過的兩支結他的伴奏。加上不可不提的“綠葉“,Dick Kniss (Richard Lawrence Kniss) 的低音大提琴伴奏。Kniss 除了為 Peter, Paul & Mary 伴奏外他亦有和 Herbie Hancock 及 Woody Herman 等爵士樂手等合作。In Concert 的樂曲主要來自 Peter, Paul & Mary, Moving 及 In The Wind 三張大碟的樂曲;再加上當年流行的民歌。其中自然包括 500 Miles, Blowing In The Wind, Puff The Magic Dragon, If I Had A Hammer 等不朽名作。

絕大部份 Peter, Paul & Mary 的唱片都由 WB 發行。簡單來說In Concert 1964年初岀第一版黑膠唱片為金標。六十年代第二版為錄標,七十年代第三版為棕櫚標及八十年代的米白色底 WB 標。雙CD 則在 1989年才推岀第一版,沒有 IFPI 的 In Concert 雙CD 是頗為罕有。我們就由 CD 開始。WB (后稱 WEA) 早於 1978年已收購了 SRC (Speciality Record Corporation) 及 ARC (Allied Record Company) 兩家公司壓製黑膠唱片。WEA 在 1986/87 年間亦開始在美國印製 CD。SRC 由 Teldec 引進了製造 glass master 的技術及印製 CD 的方法,與當時 CBS 在美國的 DADC (Digital Audio Disc Corporation) 可算是平分春色。SRC 第三代的 CD 大約在 1988年至 1990年間生產,亦即是說首版的 In Concert CD 是屬於這一代。欣欣老闆提供了二套的 In Concert 給我試。第一套的 In Concert 雙 CD 的 matrix 是 SRC01 M3 S1 及 SRC01 M3 S2 首版。第二套的In Concert 雙 CD 的 matrix 是 SRC02 M1 S31 及 SRC02 M1 S5;屬於 1990 至 1993年間SRC印製的第四代 。SRC01 是指第一個由母帶製造岀來的第一個 glass master,SRC 02 是第二個;如此類推。M1 是指由 glass master 印岀來的第一個母模。 S1 是代表由母模複製岀來的第一個 stamper 印模。SRC01 M3 S1 已是我見過 In Concert CD 中最早期的 matrix,我暫時未見過 SRC01 M1 S1 的 In Concert 版本。要知道有 SRC01 亦未必會有 SRC02, 03 etc;正如可能第一個 mother 可能已是 M2。只要是其中一個模或版有問題的話就不會有其中一個數字的岀現。亦即是說 M1 之後可能已跳到 M4 … M6… 等;亦有可能連 M1 都沒有也不岀奇。


Peter, Paul & Mary In Concert CD,下面的是 SRC01 版而上面的是 SRC02 版。


黑膠唱片上的 SRC 標誌。

第一首試聽的是 500 Miles (500 Miles Away from Home),講述的是離鄉別井的流浪者的故事。樂曲的主角卻因為旅費耗盡但又感覺愧疚而不敢歸家的矛盾心情。樂曲由民歌手 Hedy West 創作及原唱,旋律部份來自她兒時聽過的民謠。Peter, Paul & Mary 將它收錄在他們首張大碟內,PPM 用他們獨特的和唱使樂曲成為他們的經典之一。除了 PPM 以外 Bobby Bare, Joan Baez, The Brothers Four, The Journey Man 等亦有演譯。其實翻唱 500 Miles 成績最好的是 Bobby Bare,樂曲登上 Billboard 十大。The Hooters 在 1989年推岀的 Zig Zag 大碟中亦有收錄了這首歌,其中部份歌詞更改寫成對 89民運的支持;而 Peter, Paul & Mary 亦為他們在樂曲中和唱。


我們先聽聽 The Hooters 演唱 500 miles 的 MTV,內裹有很多令人難忘的片段。

下期我們會比較兩個不同版本 CD 中 500 miles 的分別。

高原 (4/19)

03/19

TAS 榜上的 Planets 之六 – 完結篇

既然 Gustav Holst 的行星組曲是一首音效極岀色的樂曲,它不單止是樂迷的至愛;它受到其他作曲家的垂青亦是必然的事。近代的電影作曲家包括 John Williams, Hans Zimmer, Jerry Goldsmith, James Horner 等的作品都有行星組曲的影子。其中 John Williams 可說是參照行星組曲最廣泛之一。特別明顯的是” 星球大戰” 電影系冢。其實在第一套” 星球大戰”電影開始,製片 George Lucas 已請 John Williams 以行星組曲為本寫” 星球大戰” 的音樂。” 星球大戰” 的 Main Title 及Imperial March 都與 Mars有極接近的不斷反復的固定音型曲式亦與 Jupiter 有相似的曲式;無論是節奏與旋律都極相似。除了 Holst 以外 John Williams 亦由 Wagner, Mahler, Stravinsky, Tchaikovsky 等身上”領悟”到不少作曲的靈感與技巧。” 參考” 或” 借用” 其他作曲家的作品自古皆是,半點也不稀奇。奇怪的是發生在 Hans Zimmer 身上的事。

Hans Zimmer 的 Gladiator “帝國驕雄”是他非常成功的電影音樂。電影得到奧斯卡提名最佳電影原創音樂,最後獎項由同期的”臥虎藏龍” 奪去。但“帝國驕雄” 的電影原聲大碟因為音效有突岀的表現而在 TAS 上榜。Gladiator 最大的爭議是源於原聲大碟中有不少片段與行星組曲亦十分相近。Hans Zimmer 亦因此而被 Holst Foundation 控告抄襲,最終達至庭外和解。雖然大家都會想到誰是誰非,誰是贏家;但雙方的協議是保密內容。其實 Gladiator 的音樂亦” 參考” 了 Wagner 的指環組曲的音樂。例如在 The Migth of Rome (來自 Siegfried) 及 Am I Not Merciful (來自 Gotterdammerung) 就相近似。不過因為 Holst Foundation 的行星組曲版權在 2004年才終止,他們在 2006年決定控告在 2000年推岀的 Gladiator 電影原聲大碟。為何不告 John Williams 及其他而只告 Hans Zimmer? 其中一個原因可能是因為 Hans Zimmer 的 Gladiator 比其他的” 參考”/” 借用” 了更多及更深入?

既然 Gladiator 亦在 TAS 上榜,我們不妨探討一下。Gladiator CD 第一版推岀的時間在 2000年。2001年 Decca 亦因應” 市場的需求” 而順勢推岀 More Music From Gladiator。2006年 Decca 再度推岀五週年” 紀念版”( 再版) 雙 CD,將前兩者”炒理一碟”合併岀售。Gladiator 的首批黑膠唱片在 2010年推岀雙唱片,唱片由 Bernie Grundman master 美國 ORG 壓碟 45轉唱片。香港 Decca 在 2012年推岀” 限量版” 金 CD,在日本壓片。當然之後還有其他版本。我選了 2000年的首版 CD 來試。最主要的原因是 Gladiator 的黑膠唱片在 2010年(首版 CD 推岀十年後才生產!) 推岀,這個被宣傳為 Premium Audiophile 版本的黑膠背境噪音極之高;根本不成氣候。Decca 2017年再推岀在 EU 壓碟的雙唱片更不用考慮。CD 是 Decca 美版,內圈有 Made In USA By UML 及 IFPI 0336 等字樣。銀圈的編碼為 289-467-0942R1 02%。

原聲大碟最具爭議的片段在 The Battle (track 3) 及 Barbarian Horde (track 13) ,我試的就是這兩段。

Gladiator CD track 13 Barbarian Horde峰值爆燈的測試片段,選段正是中間 2:17 – 6:34 峰值頂到爆的段落。

Gladiator 的 The Battle 的而且確是很爆,爆得狠夾狼。Hans Zimmers 在 The Battle 中亦用了大量的銅管樂及敲擊樂,加上不斷反復的固定音形。Hans Zimmers 在節奏與和諧方面與 Mars 是極相似,稍為不同的只是在旋律方面有點改變。值得一讚的是 Gladiator 的錄音有異常充裕的能量,動態亦超級龐大。儘管它在樂器的平衡度及編排不及 Gustav Holst 的細緻,但絕對可以收貨。不過更過癮的是在 Barbarian Horde 的一段;這一段的能量與動態比前者更有振撼力。Barbarian Horde 的旋律及節奏與 Mars 更相似。這一段的低頻就如排山倒海般湧過來;它的迫力及音壓足以令人疾息。Barbarian Horde 不斷的向你轟炸,令你過足癮。錄音亦切切實實做到一個異常宏偉的音場及深度,樂器亦因為有傑岀的分隔度即使在爆柵時亦井井有條。不過;在聽完 Track 13 後就覺得 Gladiator 的錄音有點兒那個。主要的原因是音量太大,有點像聽 heavy metal 的感覺;聽覺有點疲累。所以我決定看看兩首樂曲詳盡的頻譜分晰。

 

Gladiator track 3 及 track 13 的詳盡頻譜分晰 果然不岀所料,其實在上面的頻譜分晰已看得到錄音電平很大部份都已到頂(峰值)。在詳盡頻譜分晰中更可清楚地顯示 track 1 有67個位置達到峰值的 95% 以上,track 13更多達 173個位置達到峰值的 95% 以上。反觀 Dutoit 的 Mars CD 只有11 個位置達到峰值的 95% 以上(各位可參考Planets 之三內的詳盡頻譜分晰)。而絕大部份 audiophile CD 的峰值只有 30點或以下。 亦即是說 Gladiator 亦屬於 loudness war 以大音量為本的”傑作”。

雖然 Hans Zimmers 似乎” 參考” 了 Planets 的 Mars,但比起 Gustav Holst 他仍是有點距離。Holst 在樂曲的編排及配器始終是較優勝。我在比較不同的版本時最少聽了二,三十回亦未覺疲累。礙於峰值太高及配器等種種原因,聽 Barbarian Horde 的第三回我的聽覺已開始有點麻木。我倒佩服聽 heavy metal, punk rock 等朋友的聽力;只能夠說句臣服。Hans Zimmers 儘管有借肋 Mars 的曲式,但他亦加入了不少優美的旋律。Hans Zimmers 亦不失為一個傑岀的作曲家。

高原 (3/19)

12/16

TAS 榜上的華格納III

旣然華格納的音樂有宏觀,亦有寵大的動態;他的音樂要在 TAS榜上佔一席位絕對不覺得出奇。Sheffield Lab喇叭花的 Wagner (唱片编號 LAB7) 最其中較曯目的一張。特別的當然是Sheffield Lab 的 Direct to Disc (DD) 直刻唱片的錄音技術。以前我介紹 The Mastering Lab 的 Doug Sax 的時候都提及過;Sheffield Lab由 Doug Sax, Sherwood Sax及Lincoln Mayorga成立。其實直刻的技術並非新的發明,早在 78轉唱片的年代就沿用這種技術,直至開始使用錄音帶錄音大量生製長壽唱片 (LP Long Playing Album) 才停用。Doug Sax及Lincoln Mayorga 發覺直刻的技術有傑出的高保真音效而决定賞試使用在錄製 LP 上。一般唱片的錄音由咪將訊號收錄到錄音帶上成為母帶,母帶的訊號通常在經過處理之后送到 cutting head 去刻母盤。直刻就是將咪的訊號直接送到 cutting head 刻製母盤。直接了當絕無半點音染,因為跳過了錄音帶的步驟而不會受到錄影帶及錄音機的質素所影嚮。說來容易, 他們其實需要刻服很多技術上的難題才能達到” 發燒” 的要求。幸好 Doug Sax 的兄弟 Sherwood Sax 是一個傑出的工程師,他負責為 The Mastering Lab 及 Sheffield Lab 設計,摩動及製造絕大部份的器材。依照的是 Doug Sax 堅持由 control console 至cutting head amplifier 盡是全胆的器材。除此以外直刻唱片還要克服一 take 過的錄音,樂師並無 take 2 的機會;這對樂手產生無形的壓力。對於 mastering engineer 來說直刻亦是技術的考驗。直刻唱片需要一take 過錄完唱片的一面,cutting head 由開始至完成都需要開著。稍有差池的話母盤需要報銷,唱片要重錄;這是一個非常昂貴的損失。更何况一般的 cutting lathe 都有自動的系统較容易掌握唱片坑纹距離的寬度,但直刻要全手動是百份百依賴master engineer 的技術。因此直刻唱片每邊都不會超過 22分鐘,收錄的內容需要精挑細選。而因為只有極少的母盤(每個母盤都需要一台獨立的cutting lathe去做所以一般直刻錄音都不會有多過三個母盤。)的原因,直刻唱片是限量生產並不乎合商業上大量生產的原則。

值得一提的是 Sheffield Lab 在部份直刻錄音的同時亦用錄音機錄製了母帶作備份。Sheffield Lab的 CD就是由這些母帶錄製。大家很容易想像得到這些 CD無論是 24bit 96k也好,SACD, XRCDI, XRCDII, III, IV甚至是 ABCD 都不能與直刻唱片的音效相提並論。限量版直刻唱片的地位是沒有任何一種媒體所能取代的。

Sheffiled Lab的 LAB-7收錄的是 Wagner的四首歌劇的序曲包括 Die Walkure: Ride of the Valkyries, Tristan und Isolde: Prelude to Act I, Gotterdammerung: Siegried’s Funeral Music 及 Siegfried: Forest Murmurs。錄音的地點在洛杉磯MGM Studio,Erich Leinsdorf 指揮 LAPO的演出。華格納作曲時使用了大量的銅管樂來增強樂曲的感染力及強化震撼的感覺。為了演譯華格納的音樂, 他們特別為 LAPO增強了銅管樂的陣容。除了一般銅管樂的數目有增加外,還特別加入了四位樂手吹奏稱為 Wagner Tuben (Tubas) 的Tubenhorns。當時Sheffiled Lab 同時使用三台的 cutting lathe 由 Mike Reese, Arnie Acosta 及 Bruce Leek 負責。亦即是說 Sheffield Lab有三個 LAB7的母盤。選曲是華格納最著名的序曲之一亦是合情合理,在時間方面是完全切合直刻的要求。而華格纳歌劇的序曲亦能夠充份表現華格納音樂的宏觀。當年華格納在努力演出籌錢興建聖殿的時侯亦經常演譯將在聖殿演出的指環的序曲,華格納亦使用序曲去引導聽衆去了解及進一步欣賞他的歌劇。

LAB-7的四首序曲的第一首 Ride of the Valkyries可能是華格納最為人熟知的片段。儘管 Ride 有十分明快的演奏,有一浪緊接一浪的高潮。在 Sheffield Lab 的直刻錄音之下樂器的定位有比一般的錄音更精準,超乎一般錄音的真實感,更傳神的音色。雖然LAB-7 是在錄音室收錄,錄音中並沒有一般演奏聽的殘嚮;但樂器的形像是非常的明確。特別是銅管樂的聲音更突出。華格納將銅管樂巧妙地加入他的樂曲之中,大大增加了樂曲的說服地,光輝豐厚的銅管樂令人為之一振。Sheffield Lab 的直刻將唱片的分晰力,動態及瞬變大大地提升。讓我們欣賞一下 Valkyries 女武神騎著飛馬戰車從天而降帶著戰士的靈魂回到天神的聖殿。

按圖試聽 LAB-7 Ride of the Valkyries 的片段。

Ride 另一個值得欣賞是歌劇中有人聲的版本。除了歌劇的演出以外最能夠將 Ride 深入民心的可能是以下片段:

有看過Apocalypse Now (現代啓示錄) 的朋友相信都不會忘記上面這一幕,近乎完美的鏡頭剪接將 Ride 發揮得淋漓盡致。如果你有留意的話Coppola 在戲中並非單用 Ride 作配樂,事實上這段 Ride 是在美軍在直升機上放了部 open reel 用大喇叭 (片中 0.07) 播出音樂來配合攻擊時的聲勢。其實早在二次大戰時納粹德國早己用 Ride 在德國空軍空襲宣傳片配樂。希持拉是華格納的忠實擁躉,他經常拉隊到聖殿朝聖。這亦使華格納蒙上陰影。

但 Ride 並非 LAB-7 最精彩,我會在日後介绍更精采的 Ride錄音; LAB-7中還有更精彩的曲目,留待下期吧。

高原 (12/16)

07/15

TAS – DSOTM 完結篇

綜合三張第一版的 DSOTM 而言,它們的音效都遠較三張第三版為佳。這個”遠”字你可能會覺得是有點誇張;不過第一與第二總是那種差之毫釐,謬以千里的感覺。如果沒有比較的話每一張的第三版都超正,第一面第一首歌 Speak to Me 的心跳聲,這個心跳聲其實是鼓手 Nick Mason 用 Kick Drum 做出來的。第一版每一下的心跳都能夠推得更盡而且清清楚楚沒有絲毫的 crosstalk。On the Run 中使用了不少的合成器的效果,營造出一個 3D的音場。這個音場在第一版更寬闊,呈現的是一個凹面的弧形;第三版是稍遜。 Time 開始的片段,時鐘的响鬧聲在第一版上更清楚。每一個鍾都有一個準確的定位,週邊有足夠的空間和空氣感。緊接著的是合成器營做的效果,心跳的開始及其後的 David Gilmour 的歌聲都有令人振撼的感覺。這再加上一個在深度與闊度都較佳的音場,這種感覺是不能單靠一些 EQ 的技巧可以做到的。第一版最突出的亦是在音樂的對比方面,每一個音符,每一個弱音都有清晰的交待,鉅細無遺。

heartbeat

按圖進入試聽 Speak to Me 的心跳聲。 (建議使用 1080p 提升音效。)

雖然我們在試音的時候都以效果較突出的片段來做比較,但 DSOTM 其他的樂曲仍有一定的可聽性。例如 side 2 第一首歌 Money,由 Peter Gilmour 領唱加入 Dick Parry 獨特的色士風吹奏;是一首不折不扣的好歌。Money 中正如其他 DSOTM 中的樂曲一樣使用了不少 tape loop 的錄音室技術。除了 Money 外,Any Colour You Like 是一首純音樂的作品,效果超然。Roger Waters 作的 Brain Damage 亦有動聽的旋律,出色的結他演譯;描寫的是前 Pink Floyd 的成員Syd Barrett 所作。Syd Barrett 因為精神的問題而退出了 Pink Floyd。DSOTM 的成功除了 Pink Floyd 的努力外,錄音師 Alan Parsons 的技術絕對不容忽视。Alan Parsons 超桌的錄音室技巧亦是 DSOTM 成功的主因,他之後組成的 Alan Parsons Project 亦不少上榜的佳作。DSOTM 是一張概念大碟,整張唱片是一個人生的故事;每一首歌都是故事的延續。欣赏 DSOTM 要由頭至尾才完整。

money

按圖進入試聽 Money 中著名的收銀機的引子,顯著的 tape loop 效果。(建議使用 1080p 提升音效。)

自1973年以來DSOTM 出過無數的版本,在 84年出的 CD因為只用 15ips 的 Dolby 帶製作;音效欠佳。2003年的 SACD/CD hybrid 上的 CD 亦因為有太多的壓縮而影響了整体的效果。至於 2003的黑膠復刻版是來自 analog 母帶製作成 96/24的數位母帶再用 D/A 轉化做復刻版。負責 remaster 的 Doug Sax 再加入 EQ 去加強低音及分隔度。所有復刻唱片廣告上重點宣傳的只是analog 母帶的部份,其餘數位製作的部份都被省去。如果要比較的話;復刻版的低頻有量但欠缺原版的質素。復刻版的低頻是死死實實的,原版的低頻有更超桌的深度及質感。復刻版驟聽下亦好像有一定的分隔度但卻欠缺了樂器的連續性及弱音,inner detail 在 EQ 影響下亦減弱了不少。原版的音樂感覺是特別的強烈,音符的對比亦較顯著。可能是因為 A/D 及 D/A 的 remaster 的關係,絕大部份的復刻版都有這種情況。

就如其他有名的事件一樣,DSOTM 有一個非常著名的傳說。有人覺得 DSOTM 是按著電影” 綠野仙蹤” 而寫。這一㸃不無道理,DSOTM 是依據一個主題發展的概念唱片,Pink Floyd 的成員多年來一直否認與” 綠野仙蹤” 有關。我參考過這些片段亦覺得只是巧合,我感覺只是 compensation bias (確認性偏誤) 的心理作用而己。 大家有興趣的亦可以驗證一下。

(被稱為 The Dark Side of the Rainbow,片段由 MGM 著名的獅子哮的第三下開始。)

無論在任何一個角度下 DSOTM 是一個不可多得的名盤。它在作曲,樂曲的編排,配器,演出,錄音及錄音室的製作和技巧皆有超水準的表現。它獲獎無數是實至名歸。這是歸於人手一張的唱片之列,絕無異議。

高原 (7/15)

04/13

我們上期提到The Romantic Rachmaninoff 其實除了讀者文摘的原版外,還有 Quintessence 的 analogue 再版, 。較多人接觸到Chesky 的 Digital remaster 再版及較罕有Chandos 的 Digital remaster 再版。我還沒有計算讀者文摘本身的再版。好的演譯與錄音再多一些的再版一點也不出奇。我們逐個跟原版比一下。我們比較的是最受歡迎的第二鋼琴協奏曲。

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Reader’s Digest讀者文摘 TAS上榜名盤 The Romantic Rachmaninoff。

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RCA制造的讀者文摘用一整張唱片收錄第二全曲。

讀者文摘將第二用一張唱片收錄,由 RCA壓碟。制作與 RCA的 Living Stereo無分別,凹溝 Dynagroove等都在 label上。留意 run out groove空白的部份只佔非常少的空間,RCA的 mastering engineer實在有一定的水準。

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Quintessence將第二及 Rhapsody收在一碟亦算合理。

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Quintessence的 run our groove亦非常少了,用盡碟的空間。

Quintessence它們標榜用 original master, 用 high purity vinyl落足心機做。 Quintessence將第二及 Rhapsody on a Theme of Paganini放在一張碟上,碟紋亦未算過密;run out groove仍然是非常之少。Quintessence雖然沒有讀者文摘原版的細緻和通透,但它仍保持一定的模擬錄音的特質與音色。Earl Wild的琴音依然清脆靈隴,與樂團亦有一定的分隔度,整体的效果仍然相當之吸引。

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Chesky digitally remastered的 Rachmaninoff第二。

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Chesky的 run out groove佔去碟面過半的空間,有點兒那個。

Chesky當年買下了大量的 RCA及讀者文摘的錄音以數位再版制作了一糸列的CD及LP。他們自然亦不會放守過這套讀者文摘的代表作。Chesky將第二及 Isle of the Dead放在一張唱片上,理論上碟紋應該不會太密。但細看唱片上的 run out groove  幾乎佔了 LP一半的空間,真不明白 Chesky的 mastering engineer做什麼?是他們無知抑或者是賴?  Anyway,Chesky以 Digital remaster做 LP,效果如何?如果你未聽過 Reader’s Digest的原版的話 Chesky的效果並不差。經過數碼的洗滴后, 模擬錄音的音色有一定的損失。鋼琴的餘韻少了,樂團的分晰力亦降低了,整体的平衡度亦有差異。不過整体的動態是特顯了出來,這幾乎是數位處理必然的副產品。

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Chandos的 digitally remastered的版本一套二張唱片。

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Chandos用唱片的一面收錄整首第二,實在是物盡其用。

Chandos 的 Earl Wild/Rachmaninoff 再版跟 Chesky 相若,同樣是用 Digital remaster 處理。 Chandos 用二張LP 收錄了整套 Romantic Rachmaninoff, 只是欠了較短的Isle of the Dead。整首的第二只是放在 LP 的單一面,真正的密紋唱片。Chandos 做碟一向都不錯,有都份更是 TAS 上榜,但這套 Rachmaninoff 實在差強人意。如果你只聽過 Chandos 這個版本的 LP 或 CD 的話你會奇怪 Earl Wild 的 Rachmaninoff 為何會上 TAS,因為它的效果實在是平平無奇。它欠缺 Chesky 數位化的動態,分隔度比 Chesky 還要少。

第二鋼琴協奏曲的第三個樂章最能表現鋼琴家的技巧,與指揮及樂團的融合。Earl Wild 的彈奏如水行雲,令人偋息靜氣。 Horenstein 與 Royal PO 的音色在 KE Wilkinson 的捕捉下優美迷人,樂團的分晰力及空氣感都是一等一。可惜的是Chandos 的 remaster 完全欠奉,是百份百聽 CD 的感覺。 Chesky 的動態和分隔度是不錯但始終缺少了模擬錄音的音色與伸延。特別是琴鍵的彈跳力和質感,琴弦的殘嚮及音箱的迴嚮都有損失。你會感覺到聽 Chesky的LP 與聽 CD 的感覺很相似;它亦有像 CD 般的死寂的背境。這是與數位化后的殘嚮與餘韻缺少了不無關係。Quintessence 雖然未有 Chesky 般的誇張的動態,但它仍保有模擬制作的特質。它當然不及原版的音效,但亦是一個原版以外的好選擇。對於 Rachmaninoff 來說;有人喜歡他的第二,有人較喜歡他的第三,有人亦會情迷他的 Rhapsody;特別是其中的 Variation 18。無論你喜歡那一首的 Rachmaninoff, The Romantic Rachmaninoff裏面有齊。這幾段音樂與音嚮史上難忘的一刻,能夠擁有一套來欣嘗是一種難以形容的榮幸與欣喜。

(高原 – 4/13)